Arístides Santana

"Fuera de lugar", de Lucía Bencomo y Adrián L. Mclean

2011-11-17T11:18:00.004Z

El paisaje no es el territorio, ni siquiera la naturaleza. Esta afirmación elemental debería ser clara a estas alturas. El paisaje es la mirada estética sobre el territorio. No depende tanto de lo que se ve sino de cómo se ve. La propia espesura de la mirada 1, el acto de mirar, dirigida sobre el paisaje, la imagen del territorio, yuxtapone tantas metáforas y alegorías como el espectador quiera y pueda atribuirle. Entonces, el paisaje no estaría subordinado a la tierra sino al ojo y a una cualidad mental. “Si la naturaleza está en todas partes -dice R. Debray- el paisaje sólo puede nacer en el ojo del habitante de la ciudad que lo mira de lejos porque no tiene que trabajar ahí cada día." 2

Los paisajes de Lucía Bencomo y Adrián Mclean, realizados durante su año de estancia en una gran urbe como Barcelona, son paisajes para el ciudadano. Las imágenes que re-producen no son imágenes de la naturaleza ni de un estado del alma como los paisajes sublimes del romanticismo, sino una cualidad mental, un estado de reposo, una pausa para el ajetreo constante del ciudadano. Más cercano a lirismo zen, su quietud y serenidad, que a la tradición paisajista europea.

Las imágenes escogidas por esta pareja de artistas, mar y nubes, transportan nuestro cuerpo a un estado de suspensión. Ante estos panoramas parece que lo mejor que se puede hacer es flotar, en el cielo o sobre el agua, dejarse llevar. Nos trasladamos del espacio concreto de la ciudad a un alugar, atopía del ser y el estar. El alugar, como cuando se dice que algo es atemporal, es lo fuera del lugar, un espacio indeterminado. Es el sitio de las imágenes, entre el espacio material que ocupa el medio por el cual se nos aparece y su origen, a menudo misterioso. Alugares son también el cielo y el mar, carentes de accidentes orográficos con los que orientarse, donde la noción de arriba y abajo, derecha e izquierda, se diluye en el medio. Son a-lugares para perderse.

Salidos del lugar, alejados de la tierra, envueltos en la zona intermedia entre el territorio y la imagen que es el paisaje, quedamos relegados a observar. Un momento en el cual descansar del paradigma de acción al que la vida cotidiana nos empuja, un ritmo acelerado y continuo en que constantemente hay que tomar decisiones y actuar, sin demasiado espacio para la reflexión y el planteamiento de objetivos. Así, en los paisajes de Bencomo y Mclean podemos desarrollar el “derecho a la vagancia”, aquietar la mente, estar presentes, ser y estar en el momento. Un estado intermedio como el que se encuentra entre el sueño y la vigilia, el momento que Duchamp llamaba infraleve, aunque detenido en el tiempo a través de los paisajes de agua y nubes, en el cual se puede reflexionar y replantear los fines y los modos para alcanzarlos, volver asentar los cimientos de la cabaña que es nuestra mente, donde se cobija nuestros pensamientos, ideales, esperanzas, miedos y memoria.

Es en el montaje fílmico donde las imágenes de la presente exposición cobran sentido. Como si de fotogramas robados a una posible película se tratasen, se suceden las fotografías de mares y nubes. De esta manera los artistas re-crean un ambiente que funciona como un observatorio no tanto hacia el paisaje que se nos presenta como para los paisajes internos. El hecho de mirar, hacia fuera, es también un acto reflexivo, hacia dentro. Mirando se toman decisiones acerca del punto de vista y el enfoque, se relacionan elementos y se escruta con la mirada hasta llegar a un tipo conocimiento.

Lucía Bencomo y Adrían Mclean, plantean desde el arte la posibilidad de encontrar un (a)lugar, dentro o fuera, donde diluir la figura con el fondo, solventar la paradoja de ser y estar, existir y encontrarse. Allí donde la casa pueda flotar sobre el cielo o el mar.

1 Como comenta Regis Debray: “Mirar no es recibir, sino ordenar lo visible, organizar la experiencia.” Debray, Regis. Vida y Muerte de la imagen. Barcelona: PAIDÓS, 1994 P. 38

2 Íbidem.

Preguntar, escuchar y responder.

2011-11-16T15:00:00.000Z

Ensayo para catálogo, entrevista con Dennys Matos, para la exposición Black Friday de Martin & Sicilia. TEA Tenerife, España. Abril 2011

Dennys Matos: Preguntar, escuchar y responder son las bases de cualquier diálogo. Y es precisamente el ejercicio de dialogar lo que hace posible cualquier comprensión.

La conversación que sigue a continuación, versa sobre problemáticas recurrentes en las que han venido trabajando Martín y Sicilia en los últimos años: La dictadura del consumo, el estado del bienestar como fábrica de seres sin identidad propia, especie de zombis que deambulan por el mundo sin rumbo u objetivo alguno, excepto el de vivir cautivos de sus obsesiones consumistas. Martín y Sicilia también han abordado el miedo como instrumento de manipulación, las falsas identidades o el declive de la masculinidad, cuyos patrones de comportamientos socioculturales se encuentran en plena decadencia, como síntoma de la actual crisis de valores que vive el estado capitalistas global.

Todas estas problemáticas están, de alguna manera, presentes en la exposición y también en esta “entre vista” sobre la obra de Martín y Sicilia, con personas que desempeñan un papel activo e importante dentro del mundo del arte. Hemos preferido, aprovechando el valor fundamental que adquiere la metáfora en el lenguaje pictórico y discursivo de Martín y Sicilia, emplear un formato de entrevista menos usual donde, a cada pregunta, antecede la narración de una situación determinada. Estas situaciones, narrativamente hablando, tienen un carácter ficcional y nos sirven para deslizar preguntas que implican respuestas narrativas (y ficcionales), como correlato metafórico a las problemáticas abordadas en la obra de Martín y Sicilia.

Es difícil que le puedas caer bien a todo el mundo, sería bonito, pero no es así. De hecho, cuando caes bien a todo el mundo, va y aparece uno (o unos) a quien le caes mal, justamente porque le caes bien a todo el mundo.

Cuando detecto que alguien quiere hacerme daño hablando mal a mis espaldas, sin yo haberle hecho nada malo, hay a mi modo de ver, solo dos opciones o dos reacciones frente a ello. O bien me lio a trompadas haciendo entender que, en lo adelante, de continuar la situación esa será mi única respuesta o bien ignoro la situación para no alimentar lo que considero una paranoia. Aunque hay que tener cuidado con esto, porque podríamos parecer como los avestruces que, al percibir algún problema meten la cabeza en un hueco, como si por voluntad propia, al retirar nuestra atención a las cosas que nos resultan desagradable, éstas vayan a solucionarse por sí solas.

¿Cómo responderías frente a estas situaciones. A la manera de trompadas, es decir, asumiendo la beligerancia o, sabiendo que se trata de una paranoia, esperas que las cosas tomen sus cauces y se solucionen por sí solas, al modo del avestruz?

Arístides Santana: La reacción “natural” o primera intención sería liarse a bofetadas a diestro y siniestro. Todo el mundo conoce a algún personaje que habla más de la cuenta y siempre es un placer hacerle callar la boca al que se pasa de listo. Dejarle claro desde el principio que no vas a dejar pasar ni una sola y que no tolerarás ninguna estupidez parece la opción más valida. No obstante, el problema se encuentra precisamente en el enunciado “no le puedes caer bien a todo el mundo”. Al igual que piensas que alguna otra persona se ha pasado de la raya y se merece un puñetazo, alguien estimaría que quien se ha extralimitado has sido tú y de la misma manera y con la misma legitimidad, él te podría tumbar al suelo. De ese modo la cuestión de liarse a trompadas con quien se lo merezca terminaría pasando a ser una paranoia colectiva, un enfrentamiento de todos contra todos, que ponga en el punto de mira los 360º y alcance a cualquiera de nosotros. Ahora que la mayor parte de la población mundial vive en la ciudad y tenemos que compartir nuestro tiempo y espacio, que cada vez tiende a ser más reducido, con nuestros vecinos, el miedo que nos produce saber que en cualquier momento quienquiera que se nos tropiece por la calle nos pueda dejar KO, hace que sea necesario un acuerdo entre hombres (o entre lobos). Un entorno habitado por individuos con sus propias reglas del juego y a quienes no les preocupa lo más mínimo hacerlas entender a la fuerza bruta, no parece un entorno sostenible. La situación excepcional y caótica de un lugar bajo esas condiciones hostiles no es un hábitat muy fértil para las relaciones interpersonales y vecinales.

Una vez realizado dicho acuerdo, como un código mínimo de buena vecindad, que la mayor parte del tiempo me protege de los otros pero también me obliga a contener mis impulsos, la mayoría de las veces tendré que agachar la cabeza y confiar que las cosas realmente se arreglen por sí mismas. Esta opción, aunque pueda parecer más sensata y cómoda, ya que me exime de toda responsabilidad de juicio, requiere tener en cuenta que, como el avestruz, cuando escondes la cabeza te quedas con el culo al aire. Esto implica la inoportuna introducción de todo tipo de incomodidades y situaciones vergonzosas, cerrar los ojos y apretar los puños aunque no nos apetezca, con vaselina todo entra. Estaremos (casi) seguros de que nadie nos va a atacar, pero a cambio tendremos que hacer de tripas corazón y convivir con historias que no siempre serán de nuestro agrado. Habría que tener en cuenta que mientras se respete nuestro acuerdo, más de una vez se podrá aguantar con el culo por fuera, pero a sabiendas que desde que alguno se salte todas las normas y se pase de la raya, nos liamos a patadas.

ACTION COVER PARTY: Manchester Edition

2011-11-16T12:33:00.000Z

El propósito de los eventos de la marca ACTION COVER PARTY (ACP) es traer al momento presente performances del pasado. Esto es, traerlas de vueltas a la vida, devolverle su auténtico valor como experiencia artística temporal, en el tiempo presente, el ahora. De esta manera, no solamente se rememora, sino que se invoca y se resucita a la performance. Casi como si un antiguo chamán se tratase, quién invoca a sus antepasados y los trae al mundo para que se comuniquen con la población contemporánea, mediante su propio cuerpo.

El artista que participa del ACP, quien decide traer de vuelta al mundo de ahora un hito del arte pasado, encarna él mismo a través de su cuerpo a ese artista anterior que realizó la performance primigenia. Esta proposición podría ser una forma más honesta o, al menos, consecuente de presentar performances en el circuito de arte contemporáneo actual. No a través de videos y fotos, lo cuales registran el momento, pero no transmiten la experiencia en “vivo” de la acción, pues eso es lo que son las performances, arte de la acción.

No obstante, este análisis no serviría para entender el fenómeno de los ACP en toda su complejidad. El propio título del evento deja entrever parte de la tramoya de la situación. No se trata simplemente de volver a hacer la performance, se refiere a un cover, una versión, una revisita personal de un artista sobre la acción pasada de otro. Así, los nuevos artistas que versionan a otros, no estarían realizando la acción per se, sino que están haciendo que hacen una performance. Esta tipo de práctica tiene más que ver con el apropiacionismo practicado por los artistas de los noventa. Aunque da un paso más allá. Los artistas no se apropian de la imagen producida por otro artista y la convierten en propia, se apropian de la imagen de su cuerpo, puede incluso que de su cuerpo entero, y lo hacen pasar por propio. Esta situación provoca la cuestión de quién es el autor de esta “nueva” performance, ¿el artista primigenio que la concibió?, ¿el nuevo artista que ofrece su cuerpo en este ritual contemporáneo de rememoración? Lo cuál conduce a la otra vieja cuestión ¿qué es un autor? A la que podría seguir la pregunta ¿y que importa? Nos encontramos inmersos una época postfordista en la que la cultura es el principal motor del capitalismo y el acto de consumir se confunde con el de producir, donde las personas se desplazan hacia la situación de <>, en la cual lo que consumimos y cómo lo consumimos produce a su vez bienes culturales. Cuál sería entonces la diferencia entre el autor y el espectador, si este último ya no es un espectador pasivo, sino que consume, reproduce y comparte, generando nuevos flujos de intercambio cultural.

Pero ahora hablemos del ACP: Manchester Edition, el cuál presenta algunas diferencias con respecto a los demás. En esta edición la tendencia en la elección de las performances se decantaba por un tipo de acción más conceptual. En su mayoría, las obras eran más acciones del tiempo que del cuerpo. Si ya el arte de acción pone en cuestión que es una obra de arte, las versiones de esta edición ponían en cuestión cuál es el tiempo del arte, qué tiempo necesita, cuanto tiempo es el de su recepción. Algunas performances duraban lo que tardaba en pendular y pararse un micrófono, que cuando llegaba a la altura de un amplificador el sonido de acople marcaba el ritmo de la acción, otras sin embargo median directamente el tiempo de la perfomance, que es vida que pasa, en la que los espectadores se cedían unos a otros un cronometro, que marcaba la duración del acto. Lo mensurable también jugaba un papel importante en esta edición del ACP. No sólo se media el tiempo, también el espacio en relación al cuerpo, las dimensiones del propio cuerpo humano, o se enumeraba las 35 declaraciones que John Baldessari dedicó a Sol LeWitt. Tanto tiempo, como espacio, palabra y cuerpo se traducían en cuantificación. Sin embargo, lo más destacado de esta edición en Manchester es el uso de la libertad de versionar por parte de los artistas participantes. Muchos de ellos no se limitaron únicamente a reproducir las acciones, sino que se presentaron variaciones personales y deliberadas de estas. Así, se actualizaron las acciones al nuevo momento de reproducción, evidenciando que ya no era una obra exclusiva de su autor original sino una apropiación por parte de otro autor, el que había decidido modificar la obra. De esta manera, las declaraciones cantadas a Sol LeWitt lo hacían a ritmo de Lady Gaga, Rihanna y otros éxitos del momento. Y se pudo asistir al encuentro de Joseph Beuys con el coyote, en el que ambos, tumbados sobre una manta de fieltro sobre el suelo, charlaban amistosamente largo y tendido ante la simpática mirada de los espectadores. Mediante sus elecciones y posteriores cambios los artistas participantes en Manchester dirigían una mirada desjuiciada a la Historia del arte y sus vacas sagradas.

El Action Cover Party: Manchester Edition supo ser no sólo una franquicia del evento, sino presentar las diferencias y novedades necesarias para cobrar entidad propia y a la vez hacer crecer al proyecto, generando particularidades pero también sinergías con el resto de eventos. Tanto la elección como la ejecución de las performances consiguieron expandir la reflexión acerca de lo oportuno e interesante de encuentros como este.

Si alguna vez encuentras algún anuncio del Action Cover Party en tu ciudad … sigue al conejo.

TODO LO SÓLIDO SE DESVANECE EN LA NOCHE

2011-11-15T12:52:00.000Z

Para la ocasión de su última exposición individual “Todo lo que es sólido se desvanece en el aire”, Rayco Márquez me encargó personalmente la elaboración de un texto que acompañase a sus pinturas. Además de que dicho texto ahondara en las temáticas e ideas que de su obra se desprende, el encargo incluía otro condicionante que influiría en el desarrollo de lo que viene a continuación, lo apremiante del tiempo. En muy poco tiempo tenía que dar con las claves que mueven al artista en su trabajo y saber exponerlas claramente, en una redacción no muy superior a las 700 palabras. Para ello, siguiendo un sistema de actuación muy metódico, tal como lo emplea a la hora de enfrentarse al lienzo, Márquez me facilito gran parte de su material de referencia. Una carpeta muy sobria repleta de apuntes, fotocopias y algún que otro libro, todo lleno de marcadores, notas al pie de página, textos subrayados y toda clase de avisos al navegante.

De la misma manera que el artista encara la (post)producción de sus cuadros se afrontará la elaboración de este texto. Mediante el uso de varias imágenes provenientes de muy distintas fuentes como lo son Internet, bancos de imágenes, magazines, televisión … que luego recompone en una sola, dando lugar a una nueva situación, Rayco confecciona sus cuadros. Posteriormente traduce esas imágenes a la pintura, con esa técnica fría y distante por la cual renuncia a todo gesto pictórico que legitime su autoría. Así, me limitaré a hacer eco de todas las referencias y notas que hasta mí han llegado, recomponiendo un nuevo (hiper)texto que se muestra a continuación:

Importancia de la catástrofe. Hablamos de paisaje. La creencia [de Marx y Goethe] de que la vida moderna implica un todo coherente. (…) Presupone una unidad entre vida y experiencia que incluye la política y la psicología modernas, la industria y la espiritualidad modernas, las clases dominantes y las clases trabajadoras modernas. Su genio para la acción se expresa ante todo en los grandes proyectos de construcción (…) pirámides y las catedrales de la época moderna. Intensa agitación respecto a la faceta nocturna de las ciudades. Importancia de la catástrofe.

La burguesía (…) Marx (…) parece (…) alabarla ha sido ella la que primero ha demostrado lo que puede realizar la actividad humana. La exploración de un territorio nocturno se identifica con su apropiación, significa comunicarse con unas dimensiones urbanas que son rechazadas por la eficacia ordenada y productiva del día. El segundo gran logro burgués (..) el cambio permanente. Por la noche, nada es fácil, ni continuo, ni eficaz.

Importancia en los cuadros (hablamos de paisaje) del:

-viaje (cuadros carreteras)

-el hogar encendido (piso cerrado)

-vuelta al hogar

El paisaje parece concebirse y percibirse a partir de ahora con arreglo a su transformación nocturna. Todo lo sólido se desvanece en el aire; todo lo sagrado es profanado, y los hombres, al fin, se ven forzados a considerar serenamente sus condiciones de existencia y sus relaciones recíprocas. Así pues, la noche contemporánea es el espectáculo de unas prácticas nuevas. Importancia de la catástrofe. Los hombres, die Menschen, como dice Marx, están todos incluidos en ella, son a la vez sujetos y objetos del proceso imperante que hace que todo lo sólido se desvanezca en el aire. Así pues, la noche reclama la cooperación de los demás sentidos y de la imaginación, con el fin de paliar lo que nos falta: una modalidad de visión “nictálope”. Se trata de una crisis perceptiva que hay que superar funcionando por medio de hipótesis e intuiciones, y también por medio de la experiencia: andar en el vacío. Importancia de la catástrofe.

Mercado mundial. Deseos. Demandas humanas. La noche constituye un teatro político de primer orden. Importancia de la catástrofe. Se hacen cada vez más internacionales y cosmopolitas / las industrias locales, (…) en consecuencia se hunden. La noche (…) en algunos casos se corresponden con unos emplazamientos y en otros, con unas actividades o unas herramientas de comunicación o de transporte. Grandes cantidades de pobres desarraigados llegan a las ciudades, hablamos de paisaje (grandes cantidades de pobres se “crean” nuevos en las ciudades.) Existe en la noche contemporánea una tensión estratégica entre lo legal-jurídico y lo ilegal-espontáneo, y muchos políticos instrumentalizan el “miedo a la oscuridad” para justificar unas políticas represivas (...) por ejemplo, suprimiendo los transportes públicos por la noche (…) o bien justificando la videovigilancia permanente de los espacios públicos. Importancia de la catástrofe.

Podríamos describir este conflicto como la tensión entre su visión sólida y su visión evanescente de la vida moderna. Luminosa incandescente, ÍMPETU, cuadros de explosiones. Importancia de la catástrofe. Hablamos de paisaje.

La noche: ¿un paisaje contemporáneo indeterminado, todavía por inventar?¿Dónde nos deja todo esto a nosotros, miembros de la sociedad burguesa moderna. Nos deja en posiciones extrañas y paradójicas.

Todas las citas de:

MARSHALL, Berman: Marx, el modernismo y la modernización, (termina tú de poner la cita, que tú tienes el libro)

ARMENGAUD, Marc; ARMENGAUD, Matthias; CIANCHETTA, Alessandra: Nightscapes, Paisajes Nocturnos, Barcelona: Gustavo Gili, 2009.

Notas personales de Rayco Márquez.

Spot de la exposición de Rayco Márquez "TODO LO SÓLIDO SE DESVANECE EN EL AIRE" from Rayco Márquez on Vimeo.

Descenso al Maelstrom

2011-11-15T10:11:00.000Z

DESCENSO AL MAELSTROM

[Acerca de la Exposición DERIVA de Miriam Cabeza, en la Sala Fleming 4]

<<-Hasta no hace mucho tiempo -dijo, por fin- podría haberlo guiado en este ascenso tan bien como el más joven de mis hijos. Pero, hace unos tres años, me ocurrió algo que jamás le ha ocurrido a otro mortal... o, por lo menos, a alguien que haya alcanzado a sobrevivir para contarlo.>>

(Descenso al Maesltrom, Edgar Allan Poe)

Primero gira la cabeza a su derecha, luego a su izquierda. Sigue avanzando. La intuición y el recuerdo la van guiando. Comienza a reconocer lo que encuentra ante su mirada, escenas que conectan directamente con su memoria. Sin previo aviso planta bruscamente sus pies en la tierra. Levanta su brazo por encima de su cabeza. Fija un punto de atención y ¡ZAS! … Sigue Avanzando.

La artista Miriam Cabeza se adentra en la jungla visual machete en mano, avanzando por la espesura de la imagen, en un heroico gesto por abrir(se) el camino. En su mente la idea fija de orientarse. Sus dibujos y pinturas exhibidos funcionan tanto como trofeos de sus andanzas arrancados de la misma jungla, como cartografía y registro de su propia deriva salvaje.

Las obras mostradas pretenden constituirse como el montaje narrativo de una escena la cual no se puede entender, porque le es intrínseco ser ininteligible. Son fragmentos robados a la cultura visual moderna, un mare mágnum de imágenes que convierte todo intento de navegarlo en un probable naufragio. Y cuando un marinero se encuentra a punto de ser absorbido por el Maelstrom sabe que o bien se queda en su barco expectante ante su propia tragedia, o bien se tira al mar y nada a contracorriente, intentando salvar su vida. Miriam Cabeza decide dar el salto de la posición de mero espectador del flujo de imágenes contemporáneas a inter-actuar con ellas, como narradora de un posible relato o como archivadora de los acontecimientos. Las imágenes rescatadas de ese remolino en el que se ha convertido la experiencia visual moderna son puestas en situación, en su conjunto constituyen una instalación que la artista misma llama escenografías. Y esto es lo que son, la puesta en escena, simplemente un montaje, una sucesión de imágenes dispares que fingen contar una historia a través de la correlación entre ellas, sus mensajes ocultos, su mezcla y ensamblaje. A través de la pintura, como medio de la imagen, Miriam Cabeza arma relatos actuales que hablen del ahora y evidencie las mitologías contemporáneas.

<<-Les conté mi historia... y no me creyeron. Se la cuento ahora a usted, sin mayor esperanza de que le dé más crédito del que le concedieron los alegres pescadores de Lofoden.>>

(Descenso al Maelstrom, Edgar Allan Poe)

Arístides Santana

Isolario

2011-11-14T12:39:00.000Z

A proposito de la exposición "Archipiélagos" de Cristobal Tabares.

“Los países de la Utopía se localizan (…) en una isla.”

Umberto Eco

Un archipiélago no es sólo un conjunto de islas, sino que forma un cúmulo de posibilidades, como si fuera un cosmos de existencias. Cada isla, o cada cuadro, guarda en su cerrazón una posibilidad de existencia, una manera de ser. Como dice Peter Sloterdijk, un prototipo de mundo dentro del propio mundo; de la misma forma en que lo eran las islas con las que se tropezaba Ulises en su viaje de regreso a Ítaca, cada una era diferente a la anterior. La isla es finitud, porque está limitada, y por tanto es concreción, una forma concreta de existencia. De esta forma, las distintas posibilidades de las islas actuales podrían ser las variantes posibles que ofrece el capital, representaciones de paraísos artificiales, pero, aún más, la artificialidad de la mera idea de paraíso.

La mirada a la isla es exterior. La isla se ve y se comprende en la lejanía, donde se observa sus límites, el contorno que la define y lo que en ella encierra, donde se percibe su aislamiento. Para mirar a la isla hay que hacerlo desde afuera de ella, ver la isla como imagen, desplazar el cuerpo del espectador de la tierra, que es un punto dentro del mapa, hacia otro lugar, o más bien un no-lugar, el cielo o el mar, donde obtener una buena panorámica. Ahondar en la isla implica salirse de ella.

En los cuadros-islas que ahora nos atañen, el archipiélago de ideas propuesto por Cristóbal Tabares, el ojo de desplaza desde el horizonte progresivamente hasta el cielo, como cuando se asciende en globo y se transforma el punto de vista. Cuando se está de frente al horizonte, en el que la línea de este se encuentra baja y hay una relación corporal con lo que se encuentra delante, en este caso <>, se puede comparar la situación del propio cuerpo con el lugar. La sensación es de que se está en el sitio, esto es, dentro del mundo y que tiene ante sí lo <>, el mundo tal cual es.

El siguiente punto de vista, más elevado, es el de la mirada sobre un objeto, pongamos que, encima de una mesa, como el arquitecto que elabora y analiza una maqueta. La relación con lo que se encuentra delante pasa de ser una relación con lo <> a serlo con una <>. Esa mirada elevada e hipotética es un punto de control sobre el territorio; sobre una maqueta la mirada escrutadora puede dominar las entradas y salidas, las fugas y derivas, no se le escapa nada al ojo, que puede rodear y re-visitar al objeto-isla. Es una situación de dominio.

Otro salto, o más bien elevación, del punto de vista es cuando se pasa de la mirada posible, la visión imaginaria y examinadora del ojo sobre el prototipo, a la mirada dominante sobre la <>. Cuando se consigue tener una vista del territorio desde lo alto, el mismo poder que se ejerce sobre la maqueta, que es un lugar probable, actúa sobre la superficie de lo <>, el mundo. Es el mismo tipo de violencia. La vista aérea sobre la Tierra, la que usa la arquitectura, la ingeniería y los satélites, es la misma vista que se pretendía alcanzar desde lo alto de la Torre de Babel, el primer intento de arrebatarle el dominio sobre la tierra y sus habitantes a los dioses, el poder de los hombres para elegir y transformar su existencia mundana. En el ascenso al cielo el cuerpo del observador se abstrae, pero a cambio amplia su comprensión y poder de alteración del territorio. El control sobre el aire es también el control sobre la tierra. Por último, no hay que olvidar, que cuanto más se eleva la mirada y permita observar las cosas desde arriba, más se aplana la imagen.

Las series de islas-artificios de Tabares, como si se tratara de un islario contemporáneo, con cierta vocación de archivo, traza un itinerario de posibles formas de ser (y estar) isla, lugar-objeto-imagen-prototipo-utopía.

Reserva de identidad, como imagen de lo que pudiera ser.

2011-11-13T12:45:00.000Z

Para la exposición "Facebook by Ro.Ro" de Roberto Rodríguez.

Los aún recientes “espacios” en la red, proliferantes, que ofertan la creación de un “perfil”, tanto personal como profesional, plantean algunas cuestiones acerca del lugar que ocupan nuestros cuerpos.

La creación de un “yo” virtual, su doble, en uno de estos sitios en la red simula una segunda oportunidad para poder decidir como ser visto ante los demás, construir la propia imagen. Desde el comienzo se tiene disponible todo un menú de configuración con multitud de posibilidades. La capacidad de auto.configurarse al antojo en un otro no.lugar, territorio por explorar, responde a la creencia en una second life, una utopía, como señala Michel Foucault, “lugar fuera de todos los lugares, (…) donde tendré un cuerpo sin cuerpo, (…) siempre transfigurado, (…) la utopía de un cuerpo incorpóreo.” Por lo tanto, “los medios digitales de la actualidad modifican nuestra percepción [del cuerpo](...), sin embargo esta percepción permanece ligada al cuerpo”, tal y como dice Hans Belting en Antropología de la imagen, “las imágenes desprenden en cierto modo la mirada del cuerpo, y conducen a la conciencia de un lugar imaginario hacia donde el cuerpo no puede seguirla. (…) Con las nuevas tecnologías, el cuerpo se convierte en mayor medida en un verdadero lugar de las imágenes, ya que sólo se encuentra a gusto en imágenes con las que se comunica con el mundo o con otros mundos.”

Un perfil en cualquiera de estas redes, con su descripción personal y su avatar, es para y en contra del cuerpo. Funciona como una prolongación del mismo, la personalidad virtual está hecha para ser habitada, como un doppelgänger, doble fantasmagórico al que poseer. Y a su vez sólo existe como imagen, precisamente el doble es un otro siniestro, que se me parece pero no soy yo. A lo que conduce esta ampliación de la percepción personal es a la sustitución de la experiencia corporal, por lo tanto vital, por la experiencia en imágenes, la existencia como imagen. Hoy día parece que no hay más momento vivido que el fotografiado y/o filmado. El recuerdo, imagen de la memoria que se origina en nosotros mismos, cede su lugar a la imagen técnica, a esa sombra que viene a ocupar un hueco en sustitución de un momento, un instante y unos cuerpos.

Cuando ya todo es fotografiado y filmado, pasa a convertirse en imagen, ese otro, y se habita en la mediasfera de lo visual, como lo llama Régis Debray, la imagen que captura un momento que ya pasó, es exaltación de la vida pero también es un registro de muerte, de lo que fue y ya no será más. Es un umbral que niega a la vez que afirma, un retrato en fotografía que afirma la presencia así como la niega, como sombra y no como presencia física, se convierte en re.presentación.

De cualquier modo, Ro.Ro expone su (otra) vida, a sus dobles, su perfil de Facebook; en definitiva, su vida convertida en imagen, que como tal se la puede matar, se puede morir, luego resucitar y por supuesto también clonar, de igual manera que lo hacen los dibujos animados. Ro.Ro comparte su perfil, sube su avatar, comenta e invita a comentar, enlazar, compartir y dejar tantos “me gusta” como guste. Y por el momento, al Sótano del Círculo de Bellas Artes y a 10 personas más les gusta esto.

Divagando: vagos apuntes sobre Vagar de Noelia Villena.

2011-11-11T12:48:00.000Z

La palabra “vagar” tiene diferentes acepciones destacables dentro del léxico español, como por ejemplo, tener tiempo y lugar suficiente o necesario para hacer algo; estar ocioso; andar por varios lugares sin especial detención en ninguno; tiempo desocupado que permite hacer algo; o pausa, sosiego. Ya sólo atendiendo al cuidadoso título que Noelia Villena ha escogido audazmente para su última exposición individual en el Ateneo de La Laguna, esbozamos una primera idea acerca de lo amplia, compleja y con diversidad de fugas y derivas de su proposición, en cuanto que propone. La palabra vagar procede a su vez de las palabras latinas vacare y vagari. La primera de ellas, vacare, se traduciría como vacío o libre y de ella se deriva también la familia léxica de vacaciones y vacante. Por parte de vagari, y a partir de ella, se relaciona con términos como divagar, extravagante, vagabundo y vulgivagus, que viene a significar promiscuo.

Esta introducción nos acerca al posicionamiento de Noelia cuando decide trabajar con las imágenes, su promiscuidad en la elección del tema, como divaga y vaga entre ellas, como un vagabundo en un mundo que ha devenido imagen, que ya sólo es representación y que no se reconoce a sí mismo sino mediante las imágenes que de él se producen. Y también nos acerca a un tipo de actitud, el derecho a vaguear, estar ocioso, el tener tiempo libre, bajar de ritmo, ir más lento. Parece que cada vez es más aceptado la rapidez con la que avanza el mundo, la carrera por el desarrollo que ha llegado a sus cotas más altas de velocidad, y subiendo, pero no funcionan los frenos. Ante este panorama, que se entiende de aquí a un tiempo insostenible, sería saludable reducir la marcha, bajar el paso y valorar con perspectiva el devenir de las cosas, hacia donde se va o se quiere ir y a que ritmo, porque en cualquiera de los casos tan importante es llegar como la manera de hacerlo.

Debido a ello, la obra de Noelia es ligera, leve, descompasada, nos propone y cuestiona, en otro tono, la posibilidad de tomar otro rumbo, como los abatimientos en navegación, esto es, el ligero desviamiento de la nave respecto al rumbo trazado, motivado por y para compensar la dura acción del viento. La fragilidad y maleabilidad de los materiales con los que se (des)dibuja el paisaje en “Vagar” es paralela a la fragilidad y maleabilidad de las imágenes contemporáneas. En la actualidad disponemos de pocas certezas, es más, solemos estar alerta cada vez que algo se nos presenta como real o unitario. Tras la muerte de Dios, de las ideologías, y dicen que también del arte, ya no nos quedan grandes historias que contar, inmersos en una crisis del relato y de la imagen, nos auto-representamos en el fragmento, en el montaje, el ensamblaje, el reciclaje, la mezcla ... la producción se sustituye por la post-producción (Nicolas Bourriaud). Al igual que la obra se monta con medios pobres y reciclables, a sabiendas que después va a desaparecer y dejar sitio para otra cosa, la imagen que aparece es tal paisaje como podría ser otro, el paisaje propuesto por Noelia para “Vagar” esta cargado de significados y metáforas que ella ha desarrollado, como lo están cargados otros más. Su método, seleccionando imágenes por su valor metafórico, aunque aparentemente azaroso en cuanto que no se le atribuye a cada imagen un valor único y fundamental en el orden del relato, sigue un proceso consciente, incluso se puede decir exacto (Italo Calvino).

Lo que se nos muestra ante nosotros es un escenario, y, si como ya nombramos antes, todo es imagen, los lugares desaparecen para ser sustituidos por la propia representación del lugar, el paisaje sólo existe como imagen, así que cuando hoy en día creemos que todo es paisaje [sic.] en realidad estamos ocultando que todo es imagen (Hans Belting). Si una vez aceptamos que cualquier lugar es escenografía, representación y espacio de la representación, no es descabellado que propongamos nuestros propios escenarios, plantear que (no)lugares queremos habitar. Noelia hace una propuesta de escenario, de paisaje auto-desmontable, formado por los restos del capital, material sobrante de la mudanza o la mensajería; la cinta que sella la mercancía, lista para enviar, aquí abre un bosque. Un paisaje para recorrer con tiempo, sin prisas, donde cuestionarnos nuestra propia percepción del sitio, prestar atención a nosotros en relación al entorno y tomar una actitud activa en relación a la obra. Porque en un mundo en el que ya todo es imagen y no consta de relatos, en el que el lugar también es imagen, la artista se podría dedicar a hacer cine, a trabajar con fragmentos de imágenes en movimiento, montar las escenas que aparecen para que instantáneamente vuelvan a desaparecer, creando lo que Belting denomina un lugar para lo visual, lo estrictamente visual, donde la movilidad del cuerpo se substituye por la exclusiva movilidad del ojo y la de la cámara. Por el contrario, Noelia Villena (post)produce lugares para el cuerpo, el cuerpo físico, para su desplazamiento y puesta en situación en relación al sitio, habitarlo; vagamos por sus imágenes de la misma manera que vagamos por el mundo.

Durante el tiempo de “Vagar”, la sala de exposiciones del Ateneo discurrirá con otra temporalidad, para tomarse las cosas con calma, tener tiempo de plantearse las cosas, hacer el vago, comportarse de forma extravagante sin seguir el normalizado ritmo frenético, divagar por otros terrenos sin seguir un orden marcado ni tener muy claro el destino final. Tomemos la exposición de Noelia Villena como un alto en el camino y de paso revisar la hoja de ruta.

Elogio de la sexualidad

2011-11-10T13:17:00.000Z

Texto dedicado a la obra de Raquel H. Verdú

“Your body is a battleground”

(Bárbara Kruger)

Tú cuerpo es el campo de batalla. Con esta sentencia se anunciaba una marcha feminista, mediante un cartel obra de Barbara Kruger. Y con esta idea parece partir el trabajo de Raquel Hernández Verdú, quien se basa en la teoría Queer como material de referencia. Dicha teoría afirma que la identidad sexual y el género de las personas son el resultado de una construcción social, y por tanto política. El cuerpo es el símbolo personal y social de la identidad, un elemento básico mediante el cual está construida, -comenta José Miguel G. Cortés- es un vehículo metafórico lleno de significados.

En su obra Verdú saca a relucir la doble condición de cuerpo humano, como objeto y sujeto. Por una parte es el mecanismo productor de subjetividad, lo que es la identidad, y por otra es un objeto de placer sexual. Es sobre todo en esta última idea donde la artista más se ha detenido, en la exploración de las formas de sexualidad contemporánea como vía de emancipación de los condicionamientos sociales. Para ello, el cuerpo se convierte en mera carne, en soma, un dispositivo de la sensualidad. En el orgasmo, como en la muerte, nuestro ser se solapa en un único instante de placer, somos la intensidad y vibración del momento, el último aliento, la última frontera.

“La sombra es el medio a través del cuál los cuerpos manifiestan su forma.”

(Leonardo da Vinci)

Raquel H. Verdú hace uso de la fotografía y el juego de luces para resaltar esos cuerpos vibrantes de sensualidad. Como resalta Hans Belting, los cuerpos se hacen evidentes en la luz también por el hecho de que en ellos mismos se forman sombras.

En sus fotografías se pasean una serie de composiciones amaneradas que recuerdan a la iconografía barroca, pero cuya luz no es esa iluminación metafísica en un siglo lleno de sombras, como en el barroco, sino más bien una luz que aplana, que no modela los cuerpos sino traza líneas alrededor de él, un neón discotequero. Esos cuerpos desnudos tirados por los muebles de la casa, jugando a ser figuras del pasado, es más probable que vengan del punto álgido de exceso en una fiesta privada que de un momento reseñado y transcendental de la moral humana.

Si cabe alguna probabilidad de que los cuadros de Caravaggio acabaran en orgía, en las fotografías de Verdú no cabe duda alguna.

Nebula

2011-11-09T13:16:00.000Z

Es interesante observar cómo coexisten cosas que en un principio no están relacionadas. Eso da que pensar. ¿Cómo se relacionan cuando parecen tan alejadas? (…) Es una lucha por descubrir cómo puede funcionar la unidad en medio de la diversidad.

El océano es la unidad en la que flotan las cosas.

David Lynch

Primero surgió como una idea. Hustle representaba a un colectivo de sensibilidades artísticas unidas por sus circunstancias. Tales eran: el hecho de ser compañeros de estudios, amigos, iniciar una carrera artística por su cuenta, partir de conceptos y formas distintos de los habituales y rescatar vías de trabajo abandonadas por gran parte de sus compañeros. Hustle era el nombre que acogía propuestas artísticas dispares.

En esta ocasión Hustle se muestra como una entidad. Un único artista. La identidad común que cobija en su interior personalidades distintas. En Nebula acudimos a su parto, el nacimiento de una nueva criatura, una tormenta en ese océano unificador. En medio de la tempestad se encuentra un oasis, la única prueba de que todo ha cambiado, un baúl que esconde el secreto de la reunificación.

Para percibirlo hay que adentrarse en la bruma. Bienvenidos a Nebula. A partir de ahora nada será lo mismo.

Text in English

2010-08-19T22:49:00.002+01:00

Ukiyo-e means “pictures of the floating world”. These are a traditional japanese way of engraving of the XIX century.

The images in these series are reduced to lines suspended, are disembodied, they lose their flesh, their skin and their shadows. They are organized weaving networks, interacting through a drift due to their own nature, linked images without a clear hierarchy.

These works use images of the Internet, this immaterial world of images in which we live.

This file does not correspond to a linear narrative but a hypertext structure. Each image has its own system of references and work within a network, it can simultaneously open several research fronts associated with contemporary phenomena such as urbanism and spectacular architecture being developed in the city of Dubai, the working environment of offices Google around the world or the Wellfare state. Internet is affecting our perception of images, the image we have of ourselves and our memories.

Much of the Ukiyo-e's works are made of computer vector drawings, these only exist in a virtual plane, they are numerical. However, despite being made with computer images they follow the rules of drawing, such as synthesis, composition, line, light or shadow. Starting from a photographic image and then re-draw and synthesized a mechanism occurs assimilation of the image. It is an observation process. The metaphorical dimension of art is intimately linked to technology. The first trains and steamboats gave way to misty painting of Turner and from there all the forms of abstraction related to technological development and industrial machinery, energy flow ... In today's capitalism is the metaphor of Web 2.0, immaterial, the participatory, accessible, networks, new forms of socialization …

The drawing has managed separate itself from being only a sketch for the painting or sculpture, and has achieved the status of art form in itself. But as we remember us or constantly evokes the sketches become a more open work, more processual and a much wider field than the painting, which closes on itself. The drawing retains the thought in the process.

Nos vemos en 25ft

2010-07-07T18:28:00.008+01:00

Este viernes se inaugura la exposición 25ft en el Instituto Cabrera Pinto de La Laguna, Tenerife. A todos los que se puedan pasar les veo allí y a los que no les invito a que lo hagan en otro momento.

En esta ocasión participo con un tinglado montado entre dibujos, pintura, proyecciones y demás cosas.

Hasta pronto.

Gracias

Une dérivé photos.

2010-05-23T18:53:00.003+01:00

In Die Stadtinsel, Altstadtmark, Braunschweig (Germany)

An artistic project. Une dérivé

2010-05-21T11:58:00.002+01:00

An artistic project. Une dérivé

[Ya se pueden ver algunas de las fotos del proyecto. Hoy al fin es la exposición del material recopilado y la puesta en común. Proximamente subiré las imágenes del montaje y del encuentro.

Hasta pronto.]

An artistic project. Une dérivé

The last week four groups participated in a project over Braunschweig. They only knew a start point into the city, after that, they had to follow several “signals” or “symbols” through the city, because those guide to an alleged meeting point. The signals could be all you can see in the street, everywhere, a monument, a building, a poster, comercial brands, … Supposedly, the way to the meeting point was drawing in the city and was clear. The four groups started in diferent city´s points and they made their own ways. The truth is that the search hadn´t any end. The city lost his clear and easy to read structure and became the support for a lot of marks. Also, the city is not only the consumption´s context, in our relation with it, we consume the city.

The project´s results are a example of how to understand us or how to orient us in the city today.

Actualitas. Kunst vor Ort

2010-05-18T16:24:00.005+01:00

Hola a todos,

quería anunciar que voy a participar esta semana en un festival de arte de acción, "Actualitas. Kunts vor Ort", en Braunschweig, Alemania.

Para está ocasión se presentó un miniproyecto en el cuál se retomaban las prácticas situacionistas de "las derivas" para intentar avanzar y situarse en la ciudad a través de las diferentes señales que se encuentran en ésta, las cuáles supuestamente convergerían en un punto de encuentro. Se trataría, en una sola frase, de "leer la ciudad". Para ver un resumen de en que consiste la actividad, puedes bajar el dossier aquí. Para ver el evento en Facebook en el cuál se solicitaban voluntarios para la actividad, pinche aquí.

La exposición del material recopilado por los participantes y la puesta en común será este Viernes en Braunschweig, en Die Stadtinsel, Altstadtmarkt.
Próximamente subiré las imágenes de la exposición y los dibujos, fotos y vídeos de los participantes.

Hasta pronto.

http://www.actualitas.org/

01.5.10

2010-05-01T23:53:00.002+01:00

El resultado de 5 horas de trabajo, sin contar con la busqueda de imágenes (aunque confieso que esta vez fue rápido). Por supuesto, si alguién conoce un método más rápido, bienvenido sea.

Ukiyo-e:Dibujos Vectoriales

Esto es sólo una parte más del proceso, en absoluto es trabajo terminado.

de la serie Ukiyo-e, retomando.

2010-04-04T13:40:00.006+01:00

Hacía tiempo que había dejado de lado la serie Ukiyo-e para centrarme en otras cosas, explorar nuevas vías. El último mes empecé a retomar tímidamente ese trabajo y este es uno de los resultados.

Ahora mismo estoy embarcado en el proceso en el que la obra tendrá que reinventarse y avanzar, por lo que confío traiga nuevos resultados.

Se agradece todo tipo de comentarios y opiniones, ya que este, como casi todos los blogs, no es unicamente un catálogo de mi trabajo, sino un lugar donde mostrar y abrir parte del proceso creativo. Gracias.

Arte y elitismo

2010-04-02T14:50:00.003+01:00

"En cuanto al elitismo, creo que el arte contemporáneo es tan especializado como cualquier otro campo de investigación, yo no puedo entrar en una clase avanzada de matemática o biología y comprender. Por otro lado, el arte, en la historia, siempre ha sido implícitamente universal, abierto a todo aquel que quiera acceder. Creo que ésa es una tradición a la que vale la pena aferrarse. La forma de alcanzar ese punto medio es mediante una prensa interesada, instituciones que incentiven al público a acercarse, etc. Es muy importante no reducir la complejidad del arte contemporáneo. El resto de la cultura visual en la que estamos sumergidos es extremadamente comercial, reduccionista, utilitario. Uno de los valores del arte contemporáneo es proveer un uso complejo de las imágenes y también formas alternativas de pensamiento, como el visual. Esa complejidad no necesariamente implica que siempre sea elitista."

(Claire Bishop, comisaria)

Una interesante entrevista en salonKritik.

Ctrl+C. Creatividad, derechos de autor...

2010-04-02T14:10:00.004+01:00

Últimamente he estado algo atento al revuelo que se ha formado en España acerca de la conocida como "Ley Sinde" (ignoro el nombre real de dicha ley), que permite cerrar directamente, sin juicio previo, páginas web de descargas ilegales. También en esta última semana se celebró en Barcelona el Foro Europeo de Industrias Culturales, en el que fue imposible eludir el tema de esta nueva ley , los derechos de autor y el futuro de la industria cultural, que como sabemos es la principal actualmente.
De forma paralela ha llegado hasta mí, ahora creo que no tan casualmente, el siguiente documental: Rip: A Remix Manifesto. Dirigido por un director independiente y en formato open source, lo cúal significa que se puede usar libre y creativamente todo el contenido y transformar o añadir cuálquier elemento. El documental centra su atención en los conflictos entre creatividad y propiedad intelectual en Estados Unidos, a través del Dj Girl Talk, conocido por sus remixes de otros autores, y varias entrevistas con otros protagonistas del conflicto, el director expone sus argumentos acerca de la creatividad y el uso de material ajeno.
Como una de los pilares de mi trabajo es el uso de imágenes ajenas procendentes principalmente de Internet, las cuáles "robo" de diferentes archivos de imágenes o espacios personales, creo que debería de alguna manera pronunciarme o posicionarme acerca de esto. Mi intención no es escribir un extenso artículo de opinión, por lo que creo que lo mejor que puedo hacer es invitarles a ver dicho documental, con el que me encuentro en gran parte de acuerdo. Lo podeis ver a través de su página web o en Youtube con subtítulos en español.

PD:A proposito del tema del remix, Internet, el uso de imágenes ... en el arte contemporáneo, aconsejo hacer una visita al blog mi pecado mainstream.

Cooming soon ...

2010-03-18T00:40:00.003Z

Acropolis. Dibujo en suelo, medidas variables.

Tangrams

2010-03-17T01:27:00.002Z

Dibujos vectoriales, medidas variables.

Action Cover Party

2010-03-17T00:54:00.007Z

Hace cosa de un año un grupo de artistas, en su mayoría vinculados a El Apartamento, formaron parte de un festival de performances en el que, basados en el concepto cover en la música, versionaban distintas performances, especialmente de entre los años 60 y 70. El proyecto, una idea original de David Ferrer y Néstor Delgado, titulado Action Cover Party se desarrolló en su primera edición como parte de la exposición Time Out, en la sala La Recova de Santa Cruz de Tenerife, para la segunda Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias.
En está ocasión he podido participar versionando una performance de Andy Warhol, originariamente para un anuncio de la televisión japonesa.
Este es el video del encuentro con todos los participantes:

Action Cover Party - First Edition (04/09) from ActionCoaverParty on Vimeo.

Ahora que algunos intengrantes de El Apartemento andamos repartidos por el continente, dos de ellas, Esther Arocha e Ida Galván, preparan una nueva edición desde Manchester para el día 29 de Mayo. Para más información sobre las performances e intengrantes recomiendo visitar su blog Action Cover Party Manchester Edition. Habrá que esperar para ver los resultados o ir buscando billetes baratos.

Neu Atelier

2010-03-17T00:41:00.002Z

Por fin dispongo de un buen puesto dentro del taller. Uno de los compañeros se ha mudado y me he podido trasladar hasta su espacio. Ya no me encuentro en el centro del local y dispongo de más espacio para trabajar y mis cosas, mucho más cómodo.

Klasse Virnich. Vernissage, Montage, Finissage.

2010-02-26T16:03:00.003Z

Al poco de mi llegada a la HBK fuí a parar a la clase de Thomas Virnich, quien me invitó a participar en una exposición colectiva, en la que pudiera colocar parte de mi trabajo de la serie De Re Aedificatoria. En apenas un par de semanas tenía que tener todo listo. Este fue el resultado. La exposición fue en el Montagehalle de la HBK.

Fotos cortesía de Mihai Dan.

Primeros movimientos

2010-02-26T15:57:00.003Z

De vuelta

2010-02-26T15:18:00.005Z

Hola a todos,

perdón por el total abandono de este blog desde verano.
Desde Septiembre del año pasado y hasta Julio de este año disfruto de la Beca Erasmus en la ciudad alemana de Braunschweig, en Niedersachsen.
Durante este tiempo estudio en la prestigiosa Hochschule für Bildende Künste Braunschweig (HBK).
Durante este tiempo han habido novedades que iré comentando en las siguientes entradas ,a la vez que seguiré contando demás cosas que vayan sucediendo. En este tiempo de mutismo he centrado mis esfuerzos en la adaptación a la vida en un país extranjero, aprender el idioma, integrarme en las clases y sistema educativo de aquí, ...
Para empezar, como ya he hecho antes, subo algunas fotos del nuevo Atelier donde trabajo, junto con otros cuatro compañeros escultores, en la clase de Thomas Virnich.

Vielen Danke!

Video del PKN Las Palmas

2009-09-13T23:35:00.003+01:00

Hace tiempo que no subía nada nuevo tras un verano largo. La próxima semana comienzan las andanzas por Alemania, que vendrán cargadas de novedades.
Mientras tanto cuelgo el vídeo del Pecha Kucha Night Las Palmas para los que no pudieron asistir.

Pecha Kucha Night Las Palmas

2009-07-08T11:41:00.004+01:00

Muy buenas a todos,
les comento que este viernes 10 de Julio estaré participando en la velada Pecha Kucha Night Las Palmas, en el Gabinete Litetario de dicha ciudad.

Pecha Kucha es un formato de exposición de proyectos nacido en Tokio y que ha dado la vuelta al mundo. Se basa en la presentación de trabajos en 20 imágenes de 20 segundos cada una, en total 6.40 minutos para exponer tu propuesta.

Lamentablemente la entrada hay que reservarla por internet y el aforo ya está completo, pero próximamente se subirán a la red los videos de las intervenciones con subtítulos en inglés.

Saludos

Para más información:
Pecha Kucha Night
Pecha Kucha Night Las Palmas

Fotos de la inauguración. De Re Aedificatoria

2009-05-20T23:44:00.006+01:00

Hola a todos,
estas son algunas fotos de la inauguración de la exposición De Re Aedificatoria en el Círculo de Bellas Artes de Tenerife, el 19 de Mayo.
Muchas gracias a todos los que asistieron y a los que aún no han pasado a verla espero que las fotos les anime a ir.
Saludos.

Ínsulas - Beatriz Lecuona y Óscar Hernández

2009-05-20T23:24:00.002+01:00

Ínsulas
Originalmente en El sótano

Puede haber belleza en las cenizas, en la reducción del cuerpo a polvo; incluso el Ave Fénix renace de las propias convirtiendo la muerte en un acontecimiento destinado sólo a los ajenos. El Coloso en llamas también es trágicamente bello, dramáticamente hermoso al arder entre el fuego pero sus cenizas debieran llamarse escombro. En el relato de Allan Poe El hundimiento de la Casa Usher la construcción se desploma :

…vi los pesados muros desplomarse, partidos en dos; resonó un largo y tumultuoso estruendo, como la voz de mil cataratas, y el estanque profundo y fétido, situado a mis pies, se cerró tétrica y silenciosamente sobre los restos de la Casa de Usher.

Actualmente, aquello que ha sido erigido, edificado, sólo origina escombro y ese escombro posiblemente jamás lo tomaremos por bello, jamás lo miraremos como ruina porque una ruina para serlo necesita el beneplácito del tiempo. La mirada de Arístides Santana se sitúa en un tiempo venidero en el que las construcciones retoman el lugar donde se gestaron: el del papel, el del plano, el del esbozo… pero con la incorporación del trayecto que hace de ese plano edificio y de ese edifico escombro; llegando a ser un papel cartográfico en el que se representan imágenes a modo de islas. Arístides Santana ha desinflado los edificios, los ha reducido a la huella, a la mancha representando el hueco, la sombra, en una constelación de restos con forma de archipiélago. La isla es un hecho apartado sin posibilidad de extenderse hacia otros territorios pues es porción y parte aislada. La isla es de si para si.
Las imágenes de la intervención De Re Aedificatoria son sombras que recuerdan los edificios que fueron ,figuras carentes de fondo.
Puede que De Re Aedificatoria sea una exposición de difuntos en la que las sombras son islas muertas que han borrado su horizonte.

Beatriz Lecuona y Óscar Hernández. Comisarios del proyecto

De Re Aedificatoria: Exposición

2009-05-15T23:28:00.007+01:00

Tengo el gusto de invitarle a la inauguración de De Re Aedificatoria de Arístides Santana.
El próximo Martes 19 de Mayo a las 19:30 horas en El Sótano del Círculo de Bellas Artes de Tenerife.

Las imágenes de De re aedificatoria , son imágenes que ya están aquí y otras que se nos avecinan, sombras de un mundo que esta por venir, siluetas al trasluz cuya forma no llegamos a adivinar. Quizás un juego de adivinar formas o quizás imágenes para psicoanalizarnos.
Se refieren a los nuevos tipos de construcción que de manera muy notoria dibujan paisajes y definen muy determinados usos sociales, manifiestan un donde estar y una manera de ser.

De Re Aedificatoria Del 19 de Mayo al 13 de Junio.
Círculo de Bellas Artes de Tenerife, C/. Castillo 43. Santa Cruz de Tenerife.
Horario: de lunes a viernes de 10h. a 13h. y de 18h. a 21h.
sábados de 11h. a 14h.

elsotanodelcirculo.blogspot.com

off.el apartamento

2009-04-21T13:34:00.006+01:00

Off. El apartamento.
Nuestro paisaje es el mercado. Los encuentros humanos se producen en espacios diseñados para el consumo. El arte alienta aún la expectativa de definir un territorio en el que el intercambio de miradas no se halle mediatizado por el dinero. ¿No debería convertirse entonces la sala de arte en un lugar de relación?
Un colectivo de estudiantes de Bellas Artes plantea exponer su taller, no para mostrar en él su producción, una obra que convierta al visitante en un consumidor pasivo de imágenes concluidas, sino para participar un espacio de creación, ocio, aprendizaje, encuentro, reflexión, cooperación… Una nave industrial en desuso se convierte en estudio y apartamento, un lugar en el que apartarse, dónde el visitante podrá conocer el trasfondo de un proceso de realización que no se reconoce en el paisaje producción – promoción – consumo. ‘Off’ plantea desengancharse de la corriente.

“OFF, EL APARTAMENTO”, LA APUESTA DE LA BIENAL OFF EN TENERIFE

La Bienal de Canarias presenta el Jueves 23 de Abril, a las 21.00 horas, en Santa Cruz de Tenerife el segundo proyecto de la Bienal Off, un taller de producción artística gestionado por alumnos de Bellas Artes en el que el público también será protagonista

El jueves 23 de abril, a las 21.00 horas, se inaugura en los talleres del concesionario Inauto-Fiat (Camino del Hierro, 2, junto a la Facultad de Bellas Artes) en Santa Cruz de Tenerife, “Off, El Apartamento”, el segundo de los proyectos que bajo la denominación Bienal Off ha organizado la Segunda Bienal de Canarias.

Tras el éxito obtenido por el primer proyecto de la Bienal Off, el concurso “Las Palmas está mal de la azotea”, se celebra este segundo en el que se ha apostado por la realización de un taller de producción artística gestionado por un colectivo de alumnos de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna, y que comenzará a funcionar como centro de producción al día siguiente mismo del acto de inauguración. Para ello se ha preparado una instalación con varias piezas y además se podrá disfrutar de la aportación sonora y visual de Afg-an + i/o “Infra-red Light district”, un montaje basado en música experimental combinado con proyecciones multimedia.

El taller estará abierto al público a modo de “open studio” mediante visitas guiadas en las que, acompañado de un miembro del colectivo, el visitante podrá recorrer el espacio y conocer los entresijos de las diferentes facetas de producción. Estas visitas se gestionarán a través del blog www.offelapartamento.wordpress.com, donde también se podrá obtener más información sobre el proyecto en el que este colectivo de estudiantes de Bellas Artes plantea exponer un taller donde el público sea algo más que un mero consumidor de imágenes concluidas, sino que participe en un espacio de creación, ocio, aprendizaje, encuentro, reflexión, cooperación… Todo ello en el marco de una nave industrial en desuso que se ha reconvertido en estudio y apartamento, en un lugar donde apartarse y donde el visitante podrá conocer el trasfondo de un proceso de realización alejado del típico trinomio producción-promoción-consumo.

Esta convocatoria se enmarca dentro de una serie de actuaciones paralelas al programa oficial de la Segunda Bienal de Canarias después de la invitación realizada a los alumnos de las dos universidades canarias para que participen con sus proyectos arquitectónicos o artísticos en esta segunda edición.

El blog del apartamento

Entrevista con Mariano de Santa Ana

2009-04-12T23:37:00.006+01:00

MARIANO DE SANTA ANA.
Ukiyo-e es un tipo de grabado japonés del siglo XIX que tiene entre sus máximos representantes a Hokusai y a Hiroshigue. ¿Por qué ha titulado así esta exposición?
- La traducción de Ukiyo-e es "imágenes del mundo flotante". Es un género tradicional, con colores planos y sin ninguna sombra, que hace que parezca que lo representado flota en un espacio indefinido. Ukiyo-e también hace referencia al momento en que Japón, cultura milenaria cerrada en sí misma, es forzado a abrirse por la cañonera del comodoro Perry. Esto provocó una dinámica de retroalimentación: mientras Japón importaba la industria occidental y entraba a marchas forzadas en la modernidad, a su vez exportaba a los artistas europeos sus artesanas ilustraciones Ukiyo-e que las recibían como manifestaciones de alta cultura. Este intercambio simbólico no ha parado de crecer, de tal modo que hoy Japón, paradigma contemporáneo de la cultura hipertecnológica, exporta ordenadores de última generación y cámaras de reproducción y transmisión de imágenes, pero sigue vendiendo también exotismo a Occidente, ahora tanto en forma de sushi y budismo zen como de videojuego, manga y anime.

- ¿Por qué usa soportes tradicionales como el dibujo y la pintura para salirle al paso a las imágenes masivas?
- La pintura es un procedimiento interesante para aglutinar imágenes técnicas de reproducción masiva. Reducir a una sola todo un complejo sistema de imágenes de consumo rápido permite reposar la mirada, cuestionarlas, intentar entenderlas. Frente a la pintura y su clausura, el dibujo, por el contrario, retiene el pensamiento en el proyecto, en la apertura.

- ¿Por qué las imágenes que circulan por redes sociales como Facebook y no las que salen por la televisión?
- El zapeo en Internet es más vertiginoso que el de la televisión, todo el mundo está a un solo clic. Las redes sociales son una fuente referencial, un observatorio para estudiar las patologías del presente, puesto que los antiguos álbumes de fotos que se guardaban en la mesilla de noche son mostrados ahora públicamente, sin pudor. Ninguna imagen es banal ni inocente, en todas hay supervivencias de gestos, de códigos culturales antiguos. Este archivo no responde a una narración lineal sino a una estructura hipertextual, arborescente. Cada imagen tiene su propio sistema de referencias y el trabajo en la red permite abrir simultáneamente varios frentes de investigación vinculados a fenómenos contemporáneos como el urbanismo y la arquitectura espectacular que se está desarrollando en la ciudad de Dubái o el entorno de trabajo de las oficinas de Google por todo el mundo. Internet está afectando a nuestra percepción de las imágenes, a la imagen que nos hacemos de nosotros mismos y a nuestra memoria.

- ¿Esta operación concierne sólo a los cambios culturales que traen las nuevas tecnologías o es también una pregunta más general sobre las relaciones entre las artes tradicionales y la modernidad técnica?
- La dimensión metafórica del arte está íntimamente ligada a la técnica. Los primeros trenes y barcos de vapor dieron paso a la pintura vaporosa de Turner y a partir de ahí todas las formas de abstracción ligadas al desarrollo tecnológico e industrial, la maquinaria, el flujo de energía… En el capitalismo actual la metáfora es la web 2.0, lo inmaterial, lo participativo, lo accesible, las redes, las nuevas formas de sociabilización … Pero el arte del Ukiyo-e a mediados del siglo XIX fue una de las referencias fundamentales del arte moderno europeo. Influyó en los impresionistas que no sólo fueron los primeros artistas que incorporaron en sus cuadros recursos del japonisme sino que fueron pioneros también en emplear imágenes de la industria, en pintar por ejemplo el humo de las fábricas. Este intercambio no concluyó ahí. El pintor pop Roy Lichtenstein, por ejemplo, acusa el influjo de la pintura Ukiyo-e, cuando en su cuadro ¡Help!, que representa una chica ahogándose en el mar, combina la imagen masiva del cómic con un fragmento de La gran ola de Hokusai.

- Suele colgar sus dibujos en Facebook. ¿Los expone sólo con un propósito documental o le anima a hacerlo también una voluntad artística?
- Ésta es una cuestión que todavía mantengo abierta. Empujado por el capitalismo cultural, una de las principales expresiones, quizá la principal, del arte contemporáneo es el arte inmaterial, que incluye manifestaciones como la creación de sentido en un espacio de relación como la red. Mi relación con el arte y la historia del arte es mayoritariamente vía Internet, tanto webs, como catálogos, revistas o libros online. La circunstancia en que vivo, un contexto insular y periférico como el canario, me impide desplazarme asiduamente a los principales centro de arte y por ello Internet es para mí una fuente indispensable. Al usar como materia prima y reflexionar sobre las redes y la imagen biográfica privada colgada en un espacio público veo justificado a su vez colgar mis imágenes, como efecto rebote, para su reflexión y bien común. ¿Eso es arte o no es arte? No le puedo responder todavía, es una cuestión a la que le estoy dando vueltas. Puede que me acabe dedicando a hacer arte inmaterial.

- ¿La imagen del poeta dadaísta Hugo Ball es una más entre las otras de su exposición o tiene una presencia especial?
- A la vanguardia, entre sus derrotas, se le puede atribuir el triunfo de haber consolidado la originalidad como valor artístico. La misma originalidad con la que Hugo Ball se subió en 1917 al escenario del cabaret Voltaire disfrazado para recitar un poema fonético es la que legitima el trabajo de artistas en auge en la actualidad como Damien Hirst, Takashi Murakami o el superflat. Radical en su momento, por su apuesta por el cambio en todo el sistema del Arte, la imagen de Hugo Ball ya no nos estremece. Es más, incluso resulta hasta gracioso verla.

Texto crítico de Ramiro Carrillo

2009-04-12T23:29:00.002+01:00

Pollock en Facebook

Como ocurre con Internet, los cuadros de Arístides Santana tienen jerarquías arbitrarias o carecen de ellas, no hay significado ni lectura más allá de la «potencia visual»

RAMIRO CARRILLO. Hará cosa de cinco años, los SMS o mensajes cortos de móvil pasaron a un primer plano de actualidad al demostrar su potencial como medios de comunicación social espontánea. Puede recordarse el pánico que les entró a las productoras de Hollywood al descubrir que los espectadores de los estrenos difundían su opinión sobre la película antes incluso de haber salido del cine, acelerando drásticamente la velocidad de transmisión de la tan temida información «boca a boca»; o, por supuesto, el papel de los SMS en las manifestaciones que siguieron al 11-M de 2004, y sus conocidas consecuencias.

Muy pocos años después, los mensajes de móvil han dejado de ser un formato de comunicación innovador, relegados a un plano secundario ante el apogeo de las redes sociales en Internet. Sitios como Facebook, Twitter o Myspace, por citar los más conocidos, unidos a recursos ya «viejos» del tipo de Youtube o Flickr, han configurado un sistema de dispositivos que no se limitan a facilitar la comunicación y el intercambio de información entre usuarios, sino que constituyen un fenómeno que ha revolucionado los conceptos tradicionales de lo privado y lo público. Los habituales espacios de intimidad (aquellos álbumes de fotos guardados celosamente, la correspondencia personal, los diarios) se han reinventado como archivos colgados en la Red, a disposición de quien quiera verlos, creando un extraño sistema ordenado de acceso abierto a la privacidad, y generando una saturación de imágenes e informaciones (sin interés) sin precedentes.

La obra que Arístides Santana (Las Palmas de Gran Canaria, 1987) expone en el Club Prensa Canaria bajo el título de Ukiyo-e (hasta el 17 de abril) plantea una reflexión sobre la hipersaturación icónica que los sistemas de socialización a través de la Red están creando a nivel global. La extraordinaria popularización de las redes sociales no sólo están cambiando significativamente las formas de relación (en especial las de los jóvenes más enganchados, pero no únicamente) respecto a las de hace tan sólo una década, sino que no es descabellado pensar que el fenómeno puede afectar a la imagen que tenemos de nosotros mismos, o incluso, a la propia forma en la que se configura nuestra percepción.

Las pinturas y dibujos de Arístides Santana se construyen a partir de superposiciones de imágenes que son como la representación en un plano estático de algo que sólo existe como percepción virtual, agrupando en un solo espacio (el del cuadro) escenas con criterios más o menos aleatorios, o reuniendo las imágenes contenidas en una determinada página de una red social. Las obras resultantes son una especie de mapa perceptivo de lo que ocurre en esos sitios, abiertamente inútil para fijar el recuerdo o relatar acontecimientos, pero sin duda muy ilustrativo a la hora de aproximarse a la representación de ese particular universo icónico, cada día más presente en la sociedad.

Como Internet, estos cuadros tienen jerarquías arbitrarias o carecen de ellas: no hay significado ni lectura ni posibilidad de interpretación más allá de la «potencia visual» que una imagen concreta pueda tener casualmente, y por ello destacar del conjunto. Esto es un correlato de lo que ocurre en la Red, donde la jerarquía de las imágenes no responde (como podía aún ocurrir en un pasado reciente) a unos criterios más o menos coherentes (que harían adquirir más visibilidad a las imágenes de bondad, de radicalidad, de izquierdismo, de ecologismo, de sexualidad o de lo que fuera que buscara nuestra mente). Antes bien, la visibilidad de las imágenes actuales responde a su capacidad para destacar, de la manera que sea, por encima del ruido reinante. De esta forma, chorradas como la de los móviles que convierten millos en cotufas adquieren en la Red una inusitada visibilidad, sólo porque son una imagen contundente, novedosa o sorpresiva, sin la menor relación con una jerarquía coherente con nuestras expectativas vitales, sin la menor capacidad para constituirse como referente para la representación, más allá de lo que dura su capacidad epatante. El sujeto contemporáneo ya no es un sujeto que observa para sacar conclusiones y, si acaso, hacer algo al respecto. Es, meramente, un sujeto que observa: observar y reenviar archivos no es un proceso al servicio de una forma de vida, es, sencillamente, una forma de vida.

Las obras de Ukiyo-e pueden verse como reflejos de ese «nuevo» modo de percepción. Su exposición obscena de lo privado (no olvidemos que reproducen material íntimo de páginas sociales) desemboca en su disolución en una trama desjerarquizada y por ello cansina y abstracta. Como si un Pollock burlón pintara con resaca de Facebook: ya no haría falta tejer la trama de sus cuadros con gestos automáticos y abstractos; ahora las propias imágenes, en su apabullante saturación, ya construyen una textura visual omnipresente (all-over) y que no significa nada, que no lleva a ninguna parte.

La pintura de Arístides Santana es de esas que certifican el final de la figuración. La habilidad su obra radica en algo que quizás sea una paradoja: constituirse como un icono de la imposibilidad de procesar la hiperabundancia de imágenes que nos posee. Ya no teníamos muy claro cómo representarnos en el terreno de lo público, y ahora estamos perdiendo la capacidad de representarnos en lo privado. Si no podemos representarnos, difícilmente podremos saber quienes somos. Ya veremos dónde nos lleva esto.

Extracto del libro "Visiones de América" de R. Hughes

2009-04-03T19:31:00.003+01:00

“Cuando el comodoro Matthew Perry entró en la bahía de Yokohama en 1854 a bordo de su buque negro, con sus marinos de narices largas y ojos redondos, puso en marcha sin quererlo dos convulsiones culturales: una en el mismo Japón, y otra en Europa y América. Desconcertados y asombrados por la tecnología y el poder militar americano, los japoneses del período Meiji empezaron a imitar en serie los valores occidentales lo mejor que pudieron, lo que llevó a muchos de ellos a despreciar su propia cultura tradicional. A medida que se modernizaban, desechaban lo viejo en un imparable frenesí de auto purgación. Mientras tanto los europeos y los americanos cultivados engullían esa antigua cultura, con agradecido entusiasmo, como antídoto contra precisamente los mismos valores industriales, realistas y materialistas de Occidente que tanto extasiaban a los japoneses.”

Robert Hughes

Visiones de América

Ukiyo-e: La Expo

2009-03-23T00:07:00.007Z

Tengo el gusto de invitarle a la inauguración de Ukiyo-e de Arístides Santana.
El próximo Martes 31 a las 20:30 horas en el Club Prensa Canaria.

Ukiyo-e Del 31 de Marzo al 17 de Abril.
Club Prensa Canaria, c/ León y Castillo nº39 Bajo, Las Palmas de G.C.

De re aedificatoria

2009-01-29T21:56:00.001Z

Las imágenes de “De re aedificatoria” , son imágenes que ya están aquí y otras que se nos avecinan, sombras de un mundo que esta por venir, siluetas al trasluz cuya forma no llegamos a adivinar. Quizás un juego de adivinar formas o quizás imágenes para psicoanalizarnos.
Se refieren a los nuevos tipos de construcción que de manera muy notoria dibujan paisajes y definen muy determinados usos sociales, manifiestan un donde estar y una manera de ser.

De re aedificatoria - texto

2009-01-29T21:22:00.001Z

La serie “De re aedificatoria” surge de la curiosidad o perplejidad que ocasiona el nuevo tipo de arquitectura, que de unos años a acá se ha hecho más notorio, mucho más tras los pasados Juegos Olímpicos de Pekín. Esta nueva tipología arquitectónica del espacio, conocida como arquitectura del espectáculo, sigue las premisas del tipo de arquitectura que se ha ido desarrollando en las Vegas desde los años 60 y más concretamente de su calle principal el Strip, que ya estudiaran y dejaran descrito, como una evolución natural de la propia arquitectura en relación a su Historia, Robert Venturi, Steven Izenour y Denise Scott Brown en su libro Aprendiendo de las Vegas. Las nuevas construcciones, cargadas de un contenido principalmente estético, que de manera muy notoria dibujan paisajes y definen muy determinados usos sociales han encontrado su eje paradigmático en la ciudad de Dubai, actualmente centro mundial de la arquitectura del espectáculo, junto a China. Uno de los mayores impulsores del movimiento es el arquitecto holandés Rem Koolhas, que aparte de proyectarlos con su estudio se ha dedicado a teorizar y escribir sobre el tema. De una entrevista que le hicieron en la revista ArquitecturaViva surgió el título de la serie, ya que comentaba su gran apreciación por la arquitectura romana clásica, de la que extraía muchas ideas y concepciones del edificio y su lugar en la ciudad. De re
aedificatoria fue uno de los primeros tratados sobre arquitectura que ha habido (el primero que se conoce es De Architectura de Vitrubio en la Antigua Roma), escrito por el arquitecto renacentista Leon Battista Alberti, cuando tras la Edad Media la arquitectura y las artes en general volvieron a centrar sus miradas en el período clásico.

El interés que tiene el arte por el tema no es nuevo. La pintura siempre ha tratado sobre dos ejes básicos, fondo y figura, paisaje y sujeto, el ser y el estar. La arquitectura se preocupa de los mismos temas, dibujan el paisaje y ponen el escenario para el sujeto, manifiestan un donde estar y una manera de ser. Por eso, para hablar de temas del arte lo mejor es revisar dentro del propio arte. Hay una cierta relación entre las proyecciones de estos edificios y los proyectos de los arquitectos utópicos del neoclasicismo francés en el S.XIX, Étienne-Louis Boullée y Claude Nicolas Ledoux, edificios que no llegaron a construirse, enormes y espectaculares, muy centrados en la apariencia del propio edificio como objeto. Del proyecto utópico neoclacisista a la realización espectacular posmoderna. Otra fuente documental muy interesante es el reportaje fotográfico sobre la construcción del Empire State, de Lewis W. Hine, la fe en el proyecto capitalista y el desarrollo, el imaginario del progreso levantado por funambulistas, la relación del edificio con el vacío y el vértigo. Además, es interesante la línea que se dibuja uniéndolo con la actual arquitectura del espectáculo debido al contexto en que ambas se producen, la construcción del edificio más grande de Nueva York y del mundo, auténtico monumento al desarrollo y al capital en plena crisis económica de los años 30, analogía de lo que esta sucediendo en la ciudad de Dubai (¿la futura Nueva York?), el levantamiento en toda la ciudad de enormes becerros de oro en medio de la actual crisis. Otra referencia importante de mencionar, tanto porque refleja las tensiones acerca de este tema como por ser el primer cuadro de la Historia del arte que tiene a un edificio como tema es La torre de Babel de Pieter Brueghel, El viejo. Un edificio de proporciones babilónicas, imposible de culminarse, que muestra su inacabado como una herida, que supondría el control y dominio del hombre sobre la tierra y su historia, capaz de hacer temer a Dios por su destronamiento. Todo un monumento a la modernidad y la globalización.

Las imágenes de De re aedificatoria , son imágenes que ya están aquí y otras que se nos avecinan, sombras de un mundo que esta por venir, siluetas al trasluz cuya forma no llegamos a adivinar. Se parecen a láminas del test de Rorschach, quizás un juego de adivinar formas o quizás sean imágenes para psicoanalizarnos. También guardan relación con el japonisme, el dibujo zen, el teatro de sombras chino …

las PALMAS está MAL de la AZOTEA

2009-01-22T11:41:00.003Z

las PALMAS está MAL de la AZOTEA es un proyecto de estudiantes de Arquitectura de la Universidad de Las Palmas para la próxima segunda Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias, que no es ni más ni menos que un concurso de diseño de azoteas. Ahora mismo hay una normativa en Las Palmas para construir tejados inclinados en lugar de las tan características azoteas. El concurso está abierto a todo tipo de personas que les interese rescatar este tipo de espacios comunitarios y convivenciales. Se otorgarán premios en sus dos categorías (univeritarios/titulados y no universitarios) y el proyecto concluirá con una exposición de las propuestas y un ciclo de debates, coloquios, charlas, ...
Animo a todo aquel que visite este blog que visite su web, lea sus bases y como no, que participe. Además tienen documentación y enlaces interesantes.
Saludos a todos

las PALMAS está MAL de la AZOTEA

PUNTOS DE MIRA. Exposición de Alumnos de Bellas Artes, Santa Cruz de Tf.

2009-01-14T13:48:00.002Z

PUNTOS DE MIRA. Exposición de alumnos seleccionados de la
Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna en el COAC

El próximo jueves, 15 de enero, a las 20,30 h. tendrá lugar en la sala de exposiciones del Colegio Oficial de Arquitectos de Tenerife la inauguración de la exposición de alumnos seleccionados de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna. Bajo el título de Puntos de mira, la muestra de este año ofrece una amplia variedad de propuestas resueltas en distintos soportes.

En esta edición los artistas participantes son Noelia Villena, Rayco Rodríguez, Esther García, María Laura Benavente, Arístides Santana, David Ferrer, Damián Rodríguez, Idaira del Castillo, Macame Trápaga, Roberto Rodríguez, Rita Marrero, Adassa Santana y David Delgado.

La Comisión de Extensión Universitaria de la Facultad de BBAA responsable de la selección de los alumnos estuvo conformada por los doctores: D. Juan Carlos Albaladejo, D. Miguel Ángel Fernández Lomana , D. Adrián Alemán y D. Manuel Cruz como presidente de la misma y coordinador del montaje de la exposición.

Esta exposición en el COAC tiene una tradición importante, ya que se realiza en este formato desde principios de los años 90. El primer objetivo de esta actividad cultural es de carácter pedagógico, se pretende conseguir que el alumno adquiera algunas competencias importantes relativas a las tareas de organización y diseño de exposiciones de arte contemporáneo. El segundo objetivo conserva el mismo carácter, intenta lograr que el alumno aprenda a trabajar en grupo y a poner el interés del proyecto expositivo colectivo por encima del interés del proyecto de cada autor. Y el tercero de los objetivos es promocional, procura dar a conocer a la sociedad el talento emergente en materia de artes plásticas que en esta facultad se contribuye a modelar desde una óptica académica. Para artistas ya consolidados como Pipo Hernández, Martín & Sicilia, Miguel Ángel Pascual, Julio Blancas, Guenda Herrera, Cristina Gámez, Beatriz Lecuona & Oscar Hernández, Ubay Murillo, José Antonio Otero, etc. esta exposición ha supuesto una plataforma de lanzamiento en su carrera como profesionales del arte.

El equipo decanal de la facultad de Bellas Artes siempre ha considerado que el proceso de producción del objeto artístico no está concluido hasta que éste es expuesto a la mirada y a la consideración del espectador, además, en la actualidad, el perfil profesional del artista exige al alumno de Bellas Artes una evolución hacia la comprensión del proceso de producción artística en su totalidad, incluyendo todos los aspectos teórico- prácticos relacionados con el fenómeno expositivo.
Por esa razón, dicho equipo está convencido de que proyectos de estas características tienen una importancia capital en la formación y promoción del alumnado y ha expresado su empeño en mejorar los resultados en cada nueva edición.

La exposición permanecerá hasta el 13 de febrero de 2009, de 11:00 h. a 13:00 h. y de 18:00 h. a 21:00 h.

Tank

2008-12-23T20:01:00.001Z

Tank
Cargado por ojosdevaca

Stopmotion que hice en el taller de Edición de vídeo dado en mi facultad por Enrique Alemán, en 2006.

Arquitectura del espectáculo, el caso de Dubai

2008-12-18T13:30:00.001Z

Dibujos vectoriales de arquitectura del espetáculo, principalmente de Dubai, actualmente centro mundial de este tipo de arquitecturas junto a China, aunque también hay alguno de Japón. Lejos de ser dibujos descriptivos producen cierto extrañamiento.

Dubay City, página oficial

Googleplex

2008-12-18T13:16:00.001Z

Esto son pruebas, indagaciones, experimentos ... realizando dibujos vectoriales de imágenes "cotidianas", aunque estas en concreto son imágenes acerca de y en Googleplex, un centro de trabajo bastante curioso.

Artículo de la revista TIME

Daniel Clowes - Ice Heaven

2008-11-16T13:37:00.001Z

Ironías de Clowes. Esto lo acabo de leer

Laboratorio del Bienestar

2008-10-26T23:47:00.002Z

Esto es un taller que se está realizando en mi facultad (Bellas Artes de la Universidad de La Laguna), iniciativa con idea de se un taller participativo para la segunda Bienal de Arquitectura, Arte y Paisaje de Canarias.
En él se habla acerca de las nociones de bienestar, paisaje, vida buena, ecología, decrecimiento, ...
Un taller y un blog interesante de ver y participar.

Bienal Regional de Artes Plásticas

2008-10-21T21:25:00.001+01:00

Hacía tiempo que no ponía nada y ya era hora. Aquí van unas malas fotos (para no variar) de los cuadros que presente a la Bienal Regional de Artes Plásticas de Tenerife, que serían los dos primeros y el tercero un más que hize en Julio antes de irme a Londres.

Ukiyo-e (Dibujos)

2008-06-27T15:11:00.001+01:00

Ukiyo-e (Pinturas)

2008-06-27T13:23:00.001+01:00

Ukiyo-e

2008-06-27T01:57:00.001+01:00

Las pinturas y dibujos de la serie Ukiyo-e muestran apuntes de biografías, imágenes frontales de pedazos de vida, robadas de archivos privados y espacios personales de Internet tales como Flickr, Myspace, Fotolog y otros tantos similares que abundan en la web, en los que se pueden colgar pequeñas narraciones de acontecimientos cotidianos.

Las imágenes quedan reducidas a líneas suspendidas en el plano de la pintura, se descorporeizan, pierden su carnalidad, su piel y su sombra.
Se organizan tejiendo redes, relacionándose mediante una deriva fruto de su propia naturaleza, imágenes enlazadas sin una jerarquía clara siguiendo una lógica de breves historias banales que contar, en la que nada es más importante que salir en la foto y el aquí y ahora.

La levedad de los relatos así como de sus personajes convive en un mundo creado sobre una ideas también leves, aunque determinantes. La ligereza de las situaciones y sus protagonistas es la ligereza del espacio en que se interrelacionan.

Remind Me (Royksopp)

2008-05-03T03:08:00.001+01:00

Royksopp - Remind Me
Cargado por Pard

Mi video favorito.
Y la música me parece genial.